В мире искусства бывают моменты, когда время словно замедляется, и перед зрителем раскрывается целая эпоха. Именно таким моментом стала выставка «Французский импрессионизм» (French Impressionism) в Национальной галерее Виктории в Мельбурне.

Интересные места, фестивали и выставки

Выставка – «Французский импрессионизм»
(French Impressionism)

Эта выставка не просто собрание картин, она – это путешествие в XIX век, в атмосферу радикальных изменений в искусстве и обществе. Через яркие пейзажи, портреты и сцены повседневной жизни художники того времени стремились передать мимолётные впечатления, эмоции и свет, что стало революцией в живописи.

Пройдем по залам и погрузимся в атмосферу выставки, исследуем, как пространство и оформление зала влияли на восприятие произведений, и получим личные впечатления от встреч с шедеврами, которые оставили неизгладимый след в душе.

Импрессионизм возник в 1870-х годах как реакция на академические каноны и реализм. Художники стремились передать мимолетные впечатления от света и цвета, используя свободные мазки и яркие краски.

На выставке «French Impressionism» в Национальной галерее Виктории (NGV) в Мельбурне, проходящей с 6 июня по 5 октября 2025 года, представлено более 100 произведений французских импрессионистов и постимпрессионистов из коллекции Музея изящных искусств Бостона (MFA Boston). Это крупнейшая выставка подобного рода, организованная в Австралии, и включает как известные шедевры, так и работы, ранее не экспонировавшиеся в стране.

Экспозиция разделена на десять тематических секций, каждая из которых раскрывает уникальные аспекты этого художественного движения.

И так, наш осмотр выставки начинается. Мы входим в зал, напоминающий гостиную, где мы видим только две картины Ренуара и Моне.

1 – Impressionism in 1874
Начало революционного движения, представление первых импрессионистских работ.

«Женщина с зонтиком и маленьким ребенком на залитой солнцем лужайке», (874–1876) Пьера-Огюста Ренуара, и «Луг с тополями» (1875) Клода Моне представляют сияющий внешний свет и пейзаж, сцены, намекающие на отдых и непринужденность. В то время как первое фокусируется на человеческом присутствии крупным планом, последнее предполагает его издалека.

В то время как Ренуар пишет перистыми мазками, Моне использует более толстые мазки и штрихи. Эти два художника были довольно тесно связаны – они познакомились, будучи студентами-художниками в Париже, делили пространство в студии Фредерика Базиля и совершили множество совместных вылазок на пленэр в 1860-х годах. Поэтому неудивительно, что брюнетку на картине Ренуара часто, хотя и осторожно, идентифицируют как Камиллу Моне – жену его друга. Маленькая фигурка на пейзаже Моне, как полагают, принадлежит Камилле или, возможно, их сыну Жану, настолько отдалённо и нечётко передана эта фигура.

Несмотря на тесное сотрудничество Ренуара и Моне и хорошо документированный состав персонажей, невозможно точно идентифицировать фигуры ни на одной из картин. Тем не менее, акцент на фигуре или пейзаже как основном мотиве каждой работы, а также особая манера письма позволяют легко определить её автора.

Мы ассоциируем Ренуара с фигурой, а Моне – с пейзажем.

Клод Моне и Пьер-Огюст Ренуар были не только современниками, но и соратниками в создании импрессионизма – художественного направления, которое радикально изменило восприятие живописи. Сотрудничество между Моне и Ренуаром, особенно в 1870-е годы, сыграло ключевую роль в формировании импрессионистского стиля. Они часто работали бок о бок, что позволило им обмениваться идеями и техниками, укрепляя основы нового художественного направления. Их дружба и совместная работа стали символом того, как единство и сотрудничество могут привести к революционным изменениям в искусстве.

2 – Before Impressionism – Barbizon School
Предшествующие течения, такие как Барбизонская школа, оказавшие влияние на импрессионистов.

Лес Фонтенбло был популярным местом для художников в 1820–1870-х годах. Расположенный всего в 50 километрах к юго-востоку от Парижа, он предлагал изобилие природных мотивов, включая скальные образования и равнины, а также вековые деревья. Благодаря железнодорожному сообщению, построенному в середине века, знаменитый лес стал доступен всего в часе езды от Парижа, что обеспечило удобный доступ туристов и художников.

В близлежащих деревнях Шайи и Барбизон жили многие художники, что способствовало формированию творческого сообщества, участники которого обменивались идеями и вместе путешествовали, исследуя живописные пейзажи. Переехав в Париж для продолжения художественного образования, Клод Моне и его коллеги, восхищавшиеся этими художниками и их непосредственным отношением к земле, в начале 1860-х годов посещали Барбизоне, Шайи и Марлотте для продолжительных творческих поездок. Это были годы становления их как начинающих художников.

Название «Барбизонская школа» (École de Barbizon) применялось к художникам, которые в 1830-х годах стекались в небольшую деревню с тем же названием и привозили в Париж свои картины, изображающие суровую природу, оказывая влияние на следующее поколение художников – импрессионистов. Большего всего из Барбизонской школы прославились художники Жан-Франсуа Милле и Теодор Руссо. 

Лидером Барбизонской школы исследователи считают Пьера Этьена Теодора Руссо (Théodore Rousseau). Художник много работал со световыми эффектами и сложной погодой, при этом упрощая композицию картин. Шарль Бодлер писал о Руссо: «Мало кто из художников так искренне любил свет и мало кому удалось лучше его передать».

Жан-Франсуа Милле (Jean-François Millet), сам сын крестьянина из Нормандии, был убеждённым реалистом. После обучения у местного художника в Шербуре, а затем в Париже (1837) у Делароша, он переехал в Барбизон в 1849 году и оставался там до конца жизни. Многие его пейзажи изображают отнимающую силы, почти священную простоту крестьянской жизни. По сути, работы Милле ближе к жанровой живописи, чем к пейзажу, но его изображение сельской местности в реалистическом, а не идеализированном ключе оказало большое влияние на пейзажный жанр в целом.

3 – Eugène Boudin: Exemplary to the Impressionists
(Эжен Буден: Пример для импрессионистов)

Влияние Эжена Будена (Eugène-Louis Boudin) на Клода Моне было фундаментальным и определяющим для становления Моне как художника и формирования его уникального импрессионистского стиля.

В 1858 году, в возрасте 18 лет, Клод Моне познакомился с Эженом Буденом в Гавре, где Моне продавал свои карикатуры, а Буден выставлял свои пейзажи. Буден, заметив талант молодого художника, убедил его попробовать себя в пейзажной живописи и пригласил на совместные пленэрные сессии. Именно Буден познакомил Моне с техникой живописи на открытом воздухе (пленэр), что стало ключевым элементом в развитии импрессионизма.

Буден специализировался на морских пейзажах и изображениях неба, уделяя особое внимание передаче света и атмосферы. Эти аспекты глубоко повлияли на Моне, который впоследствии сосредоточился на изображении изменчивых эффектов света и цвета в природе. Совместные работы и наблюдения за техникой Будена помогли Моне развить свой уникальный подход к живописи.

Моне всегда с благодарностью вспоминал Будена как своего наставника. В одном из интервью он отметил: «Если я стал художником, то обязан этим Эжену Будену».

4 – In the Studio (В студии)

Проводя много времени за живописью на открытом воздухе, импрессионисты также работали в студии по многим причинам, например, создавая натюрморты. «Меня поражает, что эти этюды цветов могут хоть кого-то заинтересовать, это такое живописное чувство, что я всегда удивляюсь, как кто-то, кроме художников, может испытывать к ним интерес», – сказал Анри Фантен-Латур о своих натюрмортах. Однако для некоторых импрессионистов натюрморты нашли большой спрос, возможно, потому, что их композиции были более традиционны, чем пейзажи.

С практической точки зрения, сюжеты натюрмортов было проще компоновать и освещать – творческая альтернатива капризам погоды при работе на открытом воздухе. Натюрморт также позволял художникам работать над своими художественными целями, как заметила Берта Моризо – «Уловить мимолетный момент – что угодно, даже самое маленькое, будь то улыбка, цветок, фрукт – это амбиция». Другие, например, Поль Сезанн, были более конкретными и полными энтузиазма – «Что касается цветов, то я от них отказался. Они мгновенно вянут. Фрукты более надежны. Им нравится, когда их портретируют».

5 – Watery Surfaces (Водные поверхности)
Пейзажи с водными поверхностями, отражения и свет

Это одна из ключевых тематических частей экспозиции «French Impressionism».  Художники импрессионизма часто избирали воду – будь то пруд, река, море или даже городской канал – как мотив, через который исследуется свет, отражение, атмосфера и мимолётность. Вода позволяет художникам экспериментировать с отражением, с непрерывной сменой света, с тем, что нельзя полностью контролировать – ветер, воздух, погода.

Мерцание цвета и света на ряби воды были излюбленными темами. Непосредственное взаимодействие с мимолетностью и изменчивой природой воды сочетается с новаторскими композициями, в которых зритель словно парит над водной поверхностью или плывёт по ней. Эдуард Мане называл Клода Моне «Рафаэлем воды», поскольку его мастерство в передаче многочисленных настроений и обликов воды затмевало всё вокруг.

Шарль Франсуа Добиньи, художник старшего поколения, большой поклонник творчества Моне, первым создал лодку-студию, или плавучую мастерскую, для изображения рек на натуре. Как и Эжен Буден, Йохан Бартольд Йонгкинд, голландский художник-маринист, проведший большую часть своей карьеры во Франции, также поощрял интерес молодого Моне к морской живописи. Коллеги Моне по-разному подходили к изображению водных поверхностей, некоторые, как норвежец Фриц Таулов, наслаждались рябью цветов и отражениями. Другие, как Поль Сезанн, использовали просторы воды в пруду, чтобы бросить вызов восприятию глубины и пространства в своих композициях. Альфред Сислей также экспериментировал с композициями и эффектами, описывая реку Луан, постоянный объект своих работ, как «такую ​​прекрасную, такую ​​полупрозрачную, такую ​​изменчивую».

6 – Camille Pissarro: Mentor and Mentee

«Возможно, мы все произошли от Писсарро» – Поль Сезанн

Камиль Писсарро был старейшим членом группы импрессионистов и одним из самых смелых её новаторов. Он был примерным семьянином и жил за пределами Парижа, где расходы были более приемлемыми. Но, несмотря на удалённость от художественного центра, Писсарро оставался в курсе новых направлений и пользовался спросом у других. Он также был открыт для обучения у других. Во второй половине 1880-х годов Писсарро экспериментировал с неоимпрессионизмом, познакомившись с молодыми представителями этого течения благодаря своему сыну Люсьену.

Неоимпрессионисты отказались от нанесения гармоничных тонов «по сырому», предпочитая импрессионизм, в пользу размещения рядом насыщенных, контрастных цветовых блоков. Однако интерес Писсарро к этой новой живописной технике оказался недолгим. Его собственное, самобытное видение требовало менее строго теоретического подхода. К 1895 году Писсарро был возмущен критиками, высмеивавшими поверхностное сходство его работ с работами других художников: «На выставке Сезанна у Воллара есть несколько пейзажей Овера и Понтуаза, которые [по их словам] похожи на мои. Конечно, мы всегда были вместе! Но нельзя отрицать, что каждый из нас сохранил единственное, что имеет значение, – уникальное „ощущение“!»

7 – Urban Realisms (Городской реализм)

«Новые художники пытались передать походку, движение и суету прохожих так же, как они пытались передать дрожание листьев, мерцание воды и вибрацию залитого солнцем воздуха» – Эдмонд Дюранти

В то время как многие произведения импрессионистов воспевают естественный свет и пейзажи пригородов или побережья, некоторые художники процветали, используя энергию и стремительные перемены городской жизни и, в свою очередь, регулярное взаимодействие с другими художниками, которое предоставлял город. Их увлекали оживлённые парижские развлечения, их вдохновляла доступность профессиональных моделей, и они были поглощены повседневной жизнью городских улиц и образом жизни людей. Как писал Эдгар Дега о своём доме и источнике своих сюжетов – «Париж очарователен, и разве работа – не единственное, чем можно обладать по желанию?»

Растущая урбанизация и индустриализация привели к быстрым изменениям общественных обычаев и моды. В Париже подобные зрелища одновременно привлекали и отталкивали, вызывая одновременно интерес и тревогу. Импрессионисты и их окружение отразили эти изменения в своих городских сюжетах. Друг детства Эдуарда Мане, Антонин Пруст, вспоминал, что Мане восхищался модернизацией Парижа при Наполеоне III и видел искусство и художественные произведения в обновлённых городских кварталах, его величественных бульварах и величественных каменных зданиях.

8 – Renoir and Experimentation (Ренуар и эксперименты)

«Художник, под страхом забвения, должен верить в себя и слушать только своего настоящего господина: Природу» – Пьер-Огюст Ренуар

«Танец в Буживале» (1883) – одно из самых известных произведений Пьера Огюста Ренуара, ярко отражающее его зрелый импрессионистский стиль и интерес к изображению повседневной жизни.

На переднем плане изображена пара, увлечённо танцующая на открытом воздухе. Мужчина в тёмно-синем костюме и соломенной шляпе обнимает женщину в розовом платье и красной шляпке. Их фигуры выделяются на фоне размытых очертаний посетителей кафе, сидящих за столиками и наслаждающихся летним вечером. На земле можно заметить брошенные цветы и окурки, что придаёт сцене реалистичность и ощущение мимолётности момента.

Для изображения танцующей пары Ренуар пригласил своих друзей –
Сюзанну Валадон (модель и художница) и Поля Лоте, писатель и близкий друг Ренуара, ставший прототипом мужского образа.

Обучение, экспериментирование и принятие ошибок на пути к совершенствованию были основополагающими принципами художественной жизни Пьера-Огюста Ренуара и привели к многочисленным изменениям в его творчестве. «Я страдаю от болезни экспериментирования», – признался Ренуар своему дилеру Полю Дюран-Рюэлю в 1881 году. В этом году состоялась шестая независимая выставка импрессионистов, а годом ранее Дюран-Рюэль предложил Ренуару организовать персональную выставку своих работ, после которой картины отправились бы из Парижа в Лондон и Нью-Йорк. Тем не менее, Ренуар беспокоился, что в юности получил недостаточное художественное образование и не был достаточно искусным рисовальщиком.

В 1880-х годах Ренуар экспериментировал с различными живописными эффектами. Создавая пейзажи и фигуративные работы, изображая виды пригородов Парижа или более отдалённых мест, Ренуар постоянно занимался самообразованием. К концу десятилетия друзья художника опасались, что он зашёл слишком далеко. «Ренуар, лишенный дара рисования, лишенный прекрасных красок, которые он инстинктивно чувствовал раньше, становится непоследовательным», – жаловался Камиль Писсарро. Хотя, как отмечал Писсарро, его живописные приёмы, безусловно, не являются нечитаемыми, разнообразие их в разных работах и ​​в пределах одной композиции требует внимательного, продолжительного размышления.

9 – Innovative Printmaking (Инновационная гравюра)
Новаторские техники гравюры и их влияние на искусство

«Помню, как мы вместе начали издавать небольшой журнал «Le Jour et la nuit». Я очень интересовался процессами и проводил бесчисленные эксперименты» – Эдгар Дега

К маю 1879 года, к закрытию четвёртой выставки импрессионистов, Эдгар Дега, Мэри Кассат, Камиль Писсарро и другие обсуждали возможность издания нового журнала оригинальных офортов под названием «День и ночь» («Le Jour et la nuit»). Активная работа продолжалась в конце 1879–1880 годов. Дега возглавлял это начинание, подбадривая друзей, делясь техническими советами и даже печатая некоторые из их гравюр. По неизвестным причинам сам журнал так и не был издан, однако этот проект вдохновил Кассат, Писсарро и Дега на создание серии офортов, которые стали одними из самых изобретательных произведений конца XIX века.

Сочетая различные техники и подвергая свои пластины различным состояниям, художники создали новый изобразительный язык для гравюры, столь же сложный и многогранный, как и тот, что использовался в их импрессионистской живописи, и столь же чутко передающий их новое видение мира. Пробные оттиски, сделанные для «Дня и ночи», дают представление о творческом процессе этих художников в период их глубоких экспериментов в области гравюры, а также о сюжетах, которые они представляли в своих картинах.

Первая групповая выставка работ импрессионистов состоялась в 1874 году в студиях, ранее принадлежавших фотографу Феликсу Турнашону, известному под псевдонимом Надар. На этой первой выставке импрессионистов картины висели на стенах, задрапированных коричневато-красным льном, напоминающим красный цвет, в который традиционно окрашивали стены на официальных выставках Парижского Салона. Однако вскоре импрессионисты отошли от эстетики Салона, начав с отказа от классических золотых рам, которые были обязательными в Салоне. Импрессионисты считали, что золотые рамы мешают восприятию глазом новой цветовой палитры, которую они теперь использовали, и начали использовать белые рамы уже в 1877 году. Дилеры импрессионистов, однако, ненавидели белые рамы и, когда групповые выставки закрылись, заменили их рамами с цветочным узором в стиле XVII и XVIII веков.

Импрессионисты также решили бросить вызов главенствующей роли красных стен Салона в 1880 году, арендовав помещение в реконструируемом жилом доме. Здесь они выставляли свои работы на стенах, окрашенных попеременно в синий, лиловый, светло-зелёный, серо-голубой и жемчужно-серый цвета. В своём разделе групповой выставки 1880 года Камиль Писсарро выставил свои гравюры в жёлтых паспарту и фиолетовых рамах в комнате, выкрашенной в сиреневый цвет с окантовкой цвета зябликов. Оформление этой галереи напоминает о смелых цветовых решениях Писсарро в 1880 году.

10 – Monet in Situ 
Последняя секция, посвящённая работам Клода Моне, завершающая выставку.

К последнему залу ведет коридор с темно-бирюзовыми стенами, на которых отображается видеопроекция, и несколько напечатанных фотографий.

У многих бостонцев была особая связь с творчеством Клода Моне (Claude Monet). Начинающая художница Лилла Кэбот Перри переехала в Париж вместе с мужем в 1887 году. Два года спустя, вдохновлённые знакомством с работами Моне в галерее Жоржа Пети, супруги Перри отправились в Живерни, где Моне жил с 1883 года. В течение следующих двух десятилетий супруги провели в Живерни девять летних сезонов, в течение которых Лилла была наставницей французского художника и подружилась с ним. Лилла поделилась своим энтузиазмом к творчеству Моне со своим братом, который попросил её приобрести две картины Моне для своей частной коллекции – «Мыс Антиб, мистраль» (1888) и «Луг со стогами сена близ Живерни» (1885). Обе работы представлены в соседней галерее.

Во время своего медового месяца в Париже в 1891 году молодожёны из Бостона, Энни и Горацио Лэмб, воспользовались предложением сестры Горацио, художницы, посмотреть работы Моне. Медовый месяц Лэмбов совпал с легендарной выставкой пятнадцати картин Моне, изображающих стога сена, в галерее Дюран-Рюэль, где он рассматривал один и тот же мотив в разное время суток, в разные времена года и при меняющейся погоде. Молодожёны были настолько поражены этим новым «серийным» стилем живописи, что решили использовать деньги, подаренные на свадьбу, чтобы приобрести одну из этих картин. Эта картина, «Стог сена (эффект снега)», 1891 года, также выставлена ​​в соседнем зале.

Картины Клода Моне (Claude Monet) конкретны, они передают его восприятие света, атмосферы – «конверта», как он это называл – конкретного места. Но они также содержат в себе подсказки: способны вызвать у зрителя резонанс с его собственными впечатлениями от садов, полей, побережий или водных поверхностей, за пределами мест, указанных в названиях.

Моне переехал из Парижа в Аржантёй, а затем постепенно продвигался вниз по Сене, пока не обосновался в Живерни. Он снова и снова возвращался в дорогие ему места, будь то в пешей доступности от дома или вдали. «Я останавливался везде, где меня манила природа», – писал Моне. «Вдохновляющие мотивы попадались ему случайно».

Картины в зале изображают некоторые из самых любимых мест Моне – Аржантёй, побережье Нормандии, побережье Средиземного моря и Живерни, оба его поля и личный сад с кувшинками художника. Они раскрывают непосредственность подхода Моне к живописи, сочетающего специфичность места с чем-то более универсальным. Везде, куда бы он ни путешествовал, Моне находил великолепие в обыденном, превращая повседневные сцены в ослепительные и уча современный взгляд видеть мир по-новому.

Выставка просто восхищает. Оформление экспозиции – стоит отдельных восторженных слов. Залы словно интерьеры старых особняков восточного побережья Америки: паркет, драпировки, профильные рамки, приглушённый свет, уют мебели, отражения зеркал. Всё сделано с изяществом, которое не отвлекает, а наоборот – усиливает впечатление; картины висят не просто на стене, они «дышат» в пространстве. 

Проходя секции, как залы с работами Писсарро наполнялись воздухом – зелень, дороги, сады, и ты почти слышишь шелест листвы, звук тихого ветра. А потом зал, где Ренуар – «Танец в Буживале» – и ты будто сам стоишь на площадке танца: свет играет на платьях, движения изящны, звук музыки кажется слышимым.

Вообще, выставка – праздник визуальной радости: более 100 полотен великих мастеров, от Будена и Манэ до Кассетт и Синьяка. Каждая секция – тематический аккорд, каждая комната – маленький театр света, цвета и формы. Ожидание того стоило. 

Ваш персональный русскоязычный гид Ирина

French Impressionism, NGV, Melbourne
Адрес: 180 St Kilda Road, Southbank
Время работы: ежедневно с 10:00 до 17:00, 
  с 6 июня по 5 октября 2025 года
Стоимость: $43.00
Карта экспозиции (pdf 100Kb)
Сайт: Национальная галерея Виктории (NGV)